意大利时尚技术与文化专业究竟学习什么？以时尚摄影作品鉴赏为例

课题：时尚摄影

参与：冷芸时尚圈7群群友

时间：2020年9月19日

引言

讨论提纲

一、我在意大利学习与生活的经历

1.我选择来意大利学习“时尚文化与技术”这门专业的原因

2.我在学习和生活过程中的收获，并且给即将留学或者正在留学的学生一些建议

二、以时尚摄影课为例介绍专业内容

1.时尚摄影第一人Adolf De Meyer：

(1)绘画主义：印象派摄影标签下的柔焦风格

(2)现代主义：对模特造型的创新

2.Chic概念的创造者Edward Steichen：

几何抽象主义：明暗光线和几何线条的使用，黑与白的对比

3.图像的建筑师George Hoyningen Huene：

(1)新塑造主义&极简几何主义：构图类比蒙德里安画中的结构

(2)借鉴主义：借鉴了古希腊历史遗迹中的浅浮雕装饰

4.达达主义大师Man Ray：

(1)照片蒙太奇：绘画与时装的结合

(2)达达主义&现成品艺术：使现成物品美学化

5.如导演般的摄影师Richard Avedon：

(1)叙事艺术：开创了电影叙事形式的时尚摄影

(2)外光主义：镜头前的模特自由表现自我

庄主及跟庄副群主简介

1. 我选择来意大利学习“时尚文化与技术”这门专业的原因

大家好，我是侯文佳，于今年7月毕业于世界最古老的大学——博洛尼亚大学的时尚技术与文化本科专业，目前在罗马大学等待研一开学。

对我个人而言，起初我选择来意大利留学有两点原因：

我就读的高中，上海复旦附中和意大利教育部当时开展了合作关系。还有一点是我当时对时尚和意大利文化有一定的兴趣，毕竟时尚业和旅游业是意大利两大支柱产业，所以觉得来意大利无论是学习时尚理论还是设计都合适不过，所以我最终选择了偏文科的理论的方向。

与大家通常知晓的时尚管理有些不同，我的课程不是主攻市场营销、公共关系之类，虽然也有营销、企业管理的课程，但主要还是学习人文、历史、哲学方面，所以我目前对时尚的理解会更抽象。就像川久保玲不会做衣服，但却是一个很成功的设计师——她想传播的一定不是具象化的东西，而是一种审美理念以及对时尚本质的思考。

我现在学习的这个“时尚技术与文化”在国内很少被听到。因为大家出国首选的肯定是更务实的专业，但是每个专业既然存在就有它的价值，主要还是看我们如何将学到的知识运用到实际当中去。另外， 为了弥补可能我的本科学的比较偏人文的特点，所以我到了研究生阶段就选择了市场和企业管理方向，这样再结合我本科所学的偏人文的内容，希望利用自己的实用与理论兼修的特点，未来能给中国时尚带来一点小小的改变。

为什么我要用这样的本硕专业组合来留学？原因是我认为真正高级的营销与商业理念，离不开对人文内涵与精髓的理解及运用。以意大利知名的公司DOLCE&GABBANA（杜嘉班纳）为例。

虽然当年的DOLCE&GABBANA的事件让它失去了中国市场，但不得不承认他们在服装设计方面是成功的。他们在设计中融合了对意大利古典艺术的理解与运用，以及品牌背后想要传达的故事和理念。

但可惜他们的营销策略有失偏颇，“种族歧视”的因素最终导致了他们在中国市场的失败。时尚文化的传达与营销策略是相辅相成的。也许他们的品牌本来想表达对中国文化的理解和热爱，但结果并没有体现出对我们的文化发自内心的热爱与尊重。

当时我身边的意大利人当时很不理解为什么那个宣传广告带有种族歧视含义。我和他们解释说，在我们看来他们将意大利披萨的大和中国筷子的小对比其实有种隐喻，在这方面我们还是比较敏感的。从另一角度来看，其实时尚是反应社会问题的表现之一，从社会学的人种学角度看待时尚，我们也能感受到就知道时尚界普遍对中国普遍的偏见和刻板印象不是短时的不是一天两天。

时尚文化的传达与营销策略是相辅相成的。我觉得是他们的品牌本来想表达对中国文化的理解和热爱，结果一切都只是“假象”罢了，他们那次的目的和动机就是赚钱。可能作为一个成熟的享誉全球的大牌，觉得赚中国人的钱比较容易吧，结果并没有体现出对我们的文化发自内心的热爱与尊重......

也因此， 我为什么既要学营销但也要学人文学科。我认为如果品牌真的希望借助产品传播某种文化，一定需要从深度与根部去理解其文化历史与内涵。文化并不是靠阅读些表象或者肤浅的文章就可以掌握的。因此我希望通过系统学习来真正理解时尚文化的内涵。

2.我在学习和生活过程中的收获以及，并且给即将留学或者正在留学的学生一些建议

不知道群里有没有正在出国留学，或者准备出国留学的同学呢？根据自己的亲身体验，我想和大家分享一些自己的经历和建议：

• 在国外学习的话，如果家庭条件允许，一开始还是要以读书为重，一切以长远的、可持续的目标为主。我遇到留学生做代购的很多，但这很容易分散学习的经历，并不是长久之计。
• 不要把自己封锁在华人圈，虽然这和个人的性格和语言能力有关，但是我觉得学习语言最快的方法是多听多说。如果我们出国只和中国人打交道，留学的意义何在？意大利语作为我的二外，我从来不畏惧主动与意大利人交谈交友，第一是为了锻炼自己的语言能力；第二是为了拓展人脉和交际圈。当然最重要的一点还是能够从他们身上接触到不同的文化，让我对这个国家和风土人情有了更深刻的了解。
• 要以自己是中国人为傲，不要妄自菲薄，这也是大胆与他人交流的前提之一。虽然疫情期间各种新闻说意大利人对中国人有种族歧视行为（其实有些是移民，并非意大利土著），但他们大多数是很善良也懂礼节的，并且对中国文化也很感兴趣。所以在学习意大利文化的同时，我们也应敢于进行做到文化的反输出，大方地向他人介绍自己的国家和文化。

这是我的个人看法，我觉得无论在哪个什么国家或地区留学，这几点应该都是适用。

聊了聊个人的经历，接下来我们进入今天的正题——关于时尚摄影课。这门课是我们专业里的课程之一。我以摄影为例， 让大家更深一步的了解我所学的专业。

我们的时尚摄影课不仅仅只是教你时尚摄影，还有从摄影的美学中贯穿艺术、人文等对时尚的影响和启发。为了节省篇幅和大家的阅读时间，我对于一些浅显或明确的内容只做了简略的介绍。如果你有兴趣，这些内容、名词解释和概念都可以通过互联网检索详解。

另外，请不要误解我分享的内容也可以在度娘上搜索到。如果我学习的内容都可以搜得到，我就没必要来意大利学习了；其次，我也对百度的内容做了些功课，对于一些摄影师的介绍他们做得比较简略，比如只是介绍照片属于什么主义，但没说具体为什么属于这个主义，采用了怎样的表现手法等。

所以我就用列举法，为大家讲讲大纲中所提到的摄影师的美学理念。

不知道大家平时是否有关注过时尚摄影这方面的内容。一张好照片对时尚文化与观念的传达具有很的重要的意义性。一张好照片的背后也会有一个很好的故事，也是在传达摄影师的意图和情感；一张好的照片片子还能让人看到照片背后，包括化妆师灯光师摄影师等人很多人的努力。

利用摄影来呈现和表达一个故事，这种手法在艺术上被称为“叙事主义”。在我接下来介绍摄影大师Richard Avedon的时候会讲到。当然今天的内容我也会穿插上方链接里的几张照片，这些和我即将介绍一些摄影大师的艺术理念、拍摄手法息息相有关。

1.时尚摄影第一人Adolf De Meyer

首先我们来讲讲Adolf De Meyer，时尚摄影第一人，1868年出生于法国巴黎。他在1913年被任命为美版《 Vogue》的首位官方时尚摄影师。从他开始，摄影在时尚产业中确立了其不可动摇的地位，是时尚和特定时期的艺术风格之间沟通的桥梁，完美地展示了时尚的艺术性和商业性。所以说时尚摄影带有很强的商业性，这也是时尚离不开摄影的原因之一，因为摄影是对设计师的作品最直观的视觉表达，当然如今的时尚摄影也离不开很多幕后人员的努力。

（1）绘画主义：印象派摄影标签下的柔焦风格

De Meyer最初的摄影风格是柔焦（来自法语单词flou，即拍照时不使用对焦从而减少图像的对比度，并且光亮部分大于阴影部分）。此手法多被运用在19世纪90年代的印象派摄影中，达到将照片朦胧柔化的效果，让照片看上去像是印象派绘画。举个例子：

（图片来源：Effetto flou - Wikipedia）

从这张照片的对比中，大家可以很容易看出左边这张是用了柔焦。

接下来我发一张大师的作品。

（图片来源：https://www.rocaille.it/adolph-e-olga-de-meyer/）

这是一张他在1919年的摄影作品。这张照片从第一眼的感觉，有芸友说是“smooth”，十分贴切。无论是；球的形状、，摸球的轻柔动作还是有整张图的画质都给我一种很柔和的感觉。

确实如此！这张照片中，De Meyer用柔焦手法结合了灯光明暗的变化：入射光线的使用，静物的反射表面的使用（就是这个smooth水晶球和花），正面照明和逆光结合，拍摄出了亦真亦幻的人物侧面剪影（法语silhouette）——衣裳、静物和人的面部轮廓形成了明暗对比，充满了光泽与质感。

所以在这张照片中，smooth水晶球起到了反射光线作用，这个元素让照片呈现如梦境般的梦幻与神秘，在艺术术语中被称为“超现实主义”（大家对这些专业术语的具体解释可以自行搜索了解）。

（2）现代主义：对模特造型的创新

（图片来源：https://www.copia-di-arte.com/a/meyer-4.html）

这张作品是他在1927年为化妆品牌Elizabeth Arden（伊丽莎白雅顿）拍摄的广告作品之一。大家很容易看出这张照片是以白色为主调的。使用白色把模特围起来，只露个脸的原因是凸显重点，面部轮廓。

这张照片中，他不仅是摄影师，还是模特的造型师。他为了放大模特妆容的效果，用洁白的绷带布缠绕了模特的头部和颈部，使得只有其面部可以被看见，并且手持一个同样洁白无瑕的陶瓷面具。白色是整张照片的主色调，展示了De Meyer抽象极简主义的美学构想，以及化妆品给女性带来的人工美。

（图片来源：微信公众号 Voicer）

这是我之前发的链接中Inez & Vinoodh为Lady Gaga拍摄的专辑封面，也是有异曲同工之妙。

2.Chic概念的创造者Edward Steichen

几何抽象主义：明暗光线和几何线条的使用，黑与白的对比

接下来我讲讲第二位大师Edward Steichen，1879年出生于卢森堡。1923年以后供职于Vogue和Vanity Fair名利场，将现代主义带入了时尚摄影。尽管人们会将他的风格和De Meyer联系起来，但Steichen拍摄照片中的女人与De Meyer的截然不同，De Meyer照片中的女子是高贵优雅的，Steichen照片中的女子却是生气勃勃、充满活力的。这是一种新型的女性主义。他的摄影中注重明朗的线条使用和强烈的光线对比。其中Marion Morehouse是第一个将自己的性格与个性带入时尚摄影的模特。

（图片来源：https://fromthebygone.wordpress.com/category/edward-steichen/）

在Steichen 的照片中，是非常注重黑与白的对比的，以及几何元素的使用。我们可以观察下面两张照片。首先在第一比如第一张照片中，，其阴影和光亮部分将照片完美地划分成了两部分，并且线条非常明亮、流畅。观察下阴影和明亮处，能感受到一些东西。而还有第二张照片的黑白对比是也是令人感到舒适，不管是明暗部分还是模特的服饰部分。

所以大家看第一张照片的阴影和光亮部分将照片完美地划分成了两部分，并且线条非常明亮、流畅，所以在Steichen 的照片中，是非常注重黑与白的对比的，以及几何元素的使用。

（图片来源：https://slideplayer.it/slide/17131407/）

（图片来源：http://www.co-mag.net/it/2008/pittorialismo-modernismo-edward-steichen-maledizione-ansel

那个时代的照片就是非常神秘的。这组照片名叫《黑与白》，刊载于《Vogue》1935年11月刊。在这两张照片里，第二张照片里模特的动作都很重要，有任何不对就很容易显得多余。第一张也是。

我们先说说第一张照片中的中心是一架大钢琴，这张照片是为了凸显黑色，所以不论是钢琴还是人像都是背光，所以要不是钢琴的大盖子打开，很难识别这是一架钢琴。位于钢琴两侧的模特无论是长裙服装还是伸展姿势，都有一种延绵的优雅感。并且模特都只被拍摄了侧脸，没有注视镜头。这张照片舍弃了现实主义的效果，而是用黑色的阴影部分串联起了整个画面。大家可以看到阴影部分流畅地连接了模特和道具。

第二张白色的这张照片与黑互补。大家可以看到，马与三位模特，从头到脚都是白色的，甚至连马的脚都被刷成了白色，就连背景也是洁白无瑕的瓷砖。衣装在这张照片里反而是清晰的（因为与黑照片互补）。这张照片表达了形式主义美学：即几何美，主要由线条的排列组合而成。观者在看的同时感受到模特觉得动作的重要，就是因为动作是整张照片几何结构的重要元素。

（图片来源：微信公众号 Voicer）

这是之前链接里Inez & Vinoodh为老佛爷生前拍的肖像，这张照片中的老佛爷并不在中心位置，并且明暗的强烈对比，有人觉得恰如其分，有人不太懂，尤其是为什么虽然是放在右面但是要去掉一只耳朵。不过想想如果有右面的耳朵，右上右下角的背景也会多露漏出来一部分一些。人物虽然更完整，但效果却没有现在这张看起来这么舒适，但是说不上来为什么。这是一种给人留下想象空间的表达方式。这可能和摄影师的个人喜好也有关系，给留下点想象的空间。而且这张照片也有柔焦的效果。，可见，所以我提到的这些摄影师的摄影风格不是一成不变的，而是随着个人美学理念时代在变化或者融合的。

3.图像的建筑师George Hoyningen Huene

接下来说说George Hoyningen Huene，1900年生于俄罗斯圣彼得堡，与1920年代成为法国版《Vogue》的摄影大师。他可以被称作为图像的建筑师，他的摄影美学理念主要在于是两点方面：一方面是基于结构主义和新塑造主义（就是以蒙德里安的画为代表，这个大家应该比较熟悉）的极简几何主义；二，另一方面是对古典主义的借鉴。

（1）新塑造主义&极简几何主义：构图类比蒙德里安画中的结构

（图片来源：https://www.socialup.it/miniguida-sullarte-artisti/）

蒙德里安的作品的画大家应该很熟悉。

（图片来源：https://www.facebook.com/aperturefoundation/photos/george-hoyningen-huene-first-publishe

所以大家再看看这张照片的结构，是不是和蒙德里安他的作品画有很强烈的相似之处，构图很像。他对构图的巧妙设计在于对模特的摆放位置，不再只是照片的中心点，而是使他们对照片的空间进行分割，并留白。这是他在1930年为泳衣广告拍摄的一组照片，看似在几位模特在游泳池边上，实际是在巴黎一幢楼的楼顶。一条对角线上有两节一长一短的楼梯，一左一右的人，一个被拍到大腿以上部分，一个被拍到全身；对另一条角线上有两处空白部分，分别是垂直和水平的。根据如蒙德里安画中准确的几何规则划分，实现很强的平衡感。

（2）借鉴主义：借鉴了古希腊历史遗迹中的浅浮雕装饰

（图片来源：https://theartofdress.org/2018/11/05/bas-relief-by-vionnet-vogue-1931/）

这是他另外一个风格的照片，大家看完以后应该可以对艺术中的某个形式产生联想。

（图片来源：https://www.etsy.com/dk-en/listing/221326061/terracotta-bas）

（图片来源：https://tuongphatmyphuoc.com/san-pham/phu-dieu-tranh-co-dien-2/）

这张照片出于他古典主义的借鉴，古希腊的浅浮雕艺术是他灵感的来源。这张照片的构图和几何构成也是有很强的联系的：在黑色背景中，模特的姿态轻盈仿佛漂浮在空中，由于身体的扭转，脸和胸的方向相反，衣服的飘带也是向上向下扬起的，构成了对角线。他的照片中的女性充满了古典主义的韵味。所以他是在希腊的旅行中获得灵感来源的，因此我觉得生活是艺术乃至时尚的灵感来源，这是他在希腊的旅行中获得的灵感。再比如意大利品牌Etro 的创始人，在设计中运用了大量佩利斯花纹元素，也是他在他去印度的旅行中获得的灵感。

4.达达主义大师Man Ray

接下来我们讲讲Man Ray，关于他的资料网上比较多。他1890年生于美国，是一位达达主义、超现实主义摄影大师，也是摄影界的实验派先锋。可以这样理解他的作品——“奇奇怪怪”。他会运用多重曝光、中途曝光、实物投影法等技巧来创作自己的作品。

（图片来源：https://twitter.com/americansuburbx/status/578204236535615488）

比如左边这张属于多重曝光，右边这张属于实物投影。

（图片来源：https://www.penccil.com/gallery.php?show=10781&p=）

这张则使用了中途曝光。

（图片来源：微信公众号 Voicer）

就在我之前发的链接中，Inez & Vinoodh为麦当娜拍摄的照片就属于多重曝光。

（1）照片蒙太奇：绘画与时装的结合

在此，但我重点谈谈讲一下他的蒙太奇手法和达达主义在摄影中的运用。

（图片来源：https://www.pinterest.co.uk/pin/482940760012433346/）

Man Ray在1930年以前和法国版《Vogue》合作，之后则是和《Harper’s Bazzar》和美版《Vogue》合作。Man Ray用蒙太奇的手法将艺术和时尚完美融合，例如1936年拍摄的这张照片：模特穿着Jaques Heim设计的裙子，侧躺着并抬起手，似乎在抚摸着空中的嘴唇，而这个嘴唇就是Man Ray几年前画的名为《<恋人》>的画。他，将画与服装结合在摄影中，达到一种艺术和时尚结合的极致效果。

（图片来源：https://grandgirlaltogether.wordpress.com/）

（2）达达主义&现成品艺术：使现成物品美学化

（图片来源：https://www.bizbash.com/local-venues-destinations/toronto/media-gallery/13475140/new-ago

Man Ray的达达主义艺术手法体现在1937为Lucien Lelong设计的晚礼服拍摄的这组照片中：模特半躺在工作手推车中，从而形成鲜明的对比，即模特的华服和高贵形象对比手推车的廉价，个人认为这样的对比在时尚摄影中表达了艺术不分高低贵贱的含义，也是达达主义艺术的核心：即一种反传统文化和美学形式（艺术不仅限于绘画）。从构图方面，手推车形成对角线，对画面的切割也恰到好处。

达达主义就是通过生活中随处可见的、平庸的物品发掘其艺术性，所以其内容包含了readymade，即现成品艺术，再比如巴黎世家2018秋冬系列，这串用钥匙做的腰带就是很典型的例子。所以我认为通过readymade，我们可以将生活中不起眼的物品再利用，成为艺术品或者时尚单品，也是对可持续时尚的一种思考。

（图片来源：https://www.bizbash.com/local-venues-destinations/toronto/media-gallery/13475140/new-ago

大家也可以尝试将这种艺术形式运用到生活中，总之我认为感觉前人的足迹能够引发我们更多关于未来的思考，大家也可以尝试将这种艺术形式运用到生活中。

5.如导演般的摄影师Richard Avedon

最后再讲讲Richard Avedon，网上关于他其的中文资料也不少，因为他在1955年为Dior拍摄的《Dovima与大象》非常出名，穿着Dior晚礼服的模特和皮糙肉厚的大象形成强烈反差，表现出Avedon特别的的选景手法。

（图片来源：https://www.lotsearch.net/auction-catalogues/icons-of-glamour-style-the-constantiner-col

Avedon1932年生于美国纽约，从小受父亲的影响爱上了摄影，1947年起在Harper’s Bazaar工作。

（1）叙事艺术：开创了电影叙事形式的时尚摄影

说他是像导演一样的摄影师，是因为他将叙事艺术融入到摄影中，使摄影作品不再是单张独立的照片，而是如电影般像是在描述一个小故事，表达镜头前人物的情绪。

例如1956年的这张照片，描述了两个明星从一家饭店中逃离，伴随着争吵、眼泪和吻别，并被那时候的狗仔队追踪着。

（图片来源：https://www.tumblr.com/search/1956%20august）

（图片来源：微信公众号 Voicer）

这张Inez & Vinoodh为Lady Gaga拍摄的照片仿佛也在描述一个故事，一丝不挂的 Lady Gaga像刚结束了演出似的，蜷缩在椅子上，身后是凌乱的后台。这让我想起了当代明星的生活，以及一年前去世的雪莉——，当经纪公司和媒体以利益至上，谁还会关心她们的真正情绪和隐私权呢？

（图片来源：http://theafrodisia.blogspot.com/2014/09/）

（2）外光主义：镜头前的模特自由表现自我

到后期，也就是在上世纪60年代以后，Avedon将户外摄影转移到室内，并且使用外光主义的手法（法语en plein air），即使用自然光的效果，即使在摄影棚里，也会用人造光模拟这种效果。他镜头下的超模Donyale Luna是美国杂志时尚史上第一位黑人模特，由此可见黑人的种族斗争从来都是一个不可忽视的社会议题。

(图片来源：http://www.ingridboulting.com/index.php#!/4/featured/MODELING/158)

（图片来源：https://www.lotsearch.de/auction-catalogues/photographs-102797?perPage=50&page=3）

在他室内的摄影棚中，只用到不鲜艳的白或灰色作为背景，镜头下的模特动感十足，像是在奔跑或是跳跃，摆出的动作十分有表现力和个性特征，当然也是基于Avedon对整个画面的构图理念。

庄主总结

一、我在意大利学习与生活的经历

1.我选择来意大利学习“时尚文化与技术”这门专业的原因

2.我在学习和生活过程中的收获，并且给即将留学或者正在留学的学生一些建议

二、以时尚摄影课为例介绍专业内容

1.时尚摄影第一人Adolf De Meyer：

(1)绘画主义：印象派摄影标签下的柔焦风格

(2)现代主义：对模特造型的创新

2.Chic概念的创造者Edward Steichen：

几何抽象主义：明暗光线和几何线条的使用，黑与白的对比

3.图像的建筑师George Hoyningen Huene：

(1)新塑造主义&极简几何主义：构图类比蒙德里安画中的结构

(2)借鉴主义：借鉴了古希腊历史遗迹中的浅浮雕装饰

4.达达主义大师Man Ray：

(1)照片蒙太奇：绘画与时装的结合

(2)达达主义&现成品艺术：使现成物品美学化

5.如导演般的摄影师Richard Avedon：

(1)叙事艺术：开创了电影叙事形式的时尚摄影

(2)外光主义：镜头前的模特自由表现自我

文字整理：付雅楠

审核 : Cherika Chen

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