如何欣赏古典油画？

古典油画起源于文艺复兴时期,注重运用色彩、光线对绘画对象最大程度的写实。古典主义的美学原则是利用古代的艺术理想和规范来表现现实社会的道德观念，以典型的历史题材表现当代的思想主题。古典主义绘画就以精神为内涵，竭力在风格上追求完美，在形式上创造典范性。随着古典油画的发展，不同风格的油画,所使用的技法和表现力也是不一样的。

以罗马神话 ·历史事件·圣经故事为题材，表现某种哲学观念和社会为题，宣扬一种理想化的境界。

以古希腊罗马雕塑和文艺复兴时期大师作品为例，塑造一种类型化的形象。

在技巧上，古典主义强调精神的素描和微妙的明暗变化，注意形象造型呈现出雕塑般的简练和力度，追求宏大的构图形式和庄重的风格·气魄。

在文艺复兴时期，油画大多数是定制品，宗教或者权贵出于种种目的所进行。古典油画注重尽可能的写实，合理的应用光线、色彩，力求表现出绘画对象最本真的一面。

古典油画的整体色调和构图都是非常沉稳、含蓄的，没有太大的反差，非常重视对于色彩饱和度与透明度的协调变化，以及对光影、形体和色彩的应用。古典油画非常重视绘画的技法，这直接影响到整个画面的呈现效果。

古典油画是油画中最具有贵族气息的一种，它的绘画过程复杂繁琐，且是少数可由一人独立完成的制作。

透明覆色法：

在细棉布或细麻布上用“油画底料”做底子，干透后再做一次，干透后磨去凸起的颗粒待用；用铅笔仔细起稿，应详尽、准确；用熟褐、培恩灰、锌白调成淡灰色勾轮廓，待干透；用熟褐、培恩灰、生赭、锌白调成渐变色阶，画成一幅素描状的单色画，如同发黄的老照片，待干透后，用沙皮磨去凸起部分；用去色调色油（整瓶油看上去不发黄，无色透明）调制油画色，至透明状。

分层给单色画上色，一层干透后，磨平，再上一层，由暗至明，层层渲染。犹如给黑白照片上色。

也可每次上色后用油画刀砑光，直至出现镜面效果；全部干透后（一般6个月）上“上光油”，干透后再上一次。也有人用直接画法画出仿古典的效果，较为省时省力。

不透明覆色法，也称多层次着色法：

用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来，与上层的颜色形成变化微妙的色调。

例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色，就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果，这往往是调色板上无法调出的色调。

这种画法适于表现物象的质感和厚实感，尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化，令人感到肌肤表皮之下流动着血液。它的缺点是色域较窄，制作过程工细，完成作品的时间长，不易于表达画家即时的艺术创作情感。

作画时先用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑造,暗部往往画得较薄，中间调子和亮部则层层厚涂，或盖或留，形成色块对比。由于厚薄不一，显出色彩的丰富韵意与肌理。透明与不透明两种画法没有严格的区别，画家经常在一幅 油画画作中综合运用。表现处在暗部或阴影中的物象时，用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感；不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体，增加画面色彩的饱和度。

19世纪以前的画家大都采用这两种画法，制作作品的时间一般较长，有的画完一层后经长期放置，待色层完全干透后再进行描绘。

不透明一次着色法，也称为直接着色法：

在画布上作出物象形体轮廓后，凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色,基本上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰，易于表达作画时的生动感受。

19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果，必须讲究笔势的运用即涂法，常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩，适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体；散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔，笔触比较松散、灵活；厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料，有的形成高达数毫米的色层或色块，使颜料表现出质地的趣味，形象也得到强化。

古典主义油画儿多以宗教题材为主和宫廷题材为主。

如何去欣赏古典主义油画，古典主义油画的画法大多是以写实的手法，光影的变化描绘细腻的笔法一点儿一点儿去表达，是这么描绘出来的古典主义油画。

古典绘画的欣赏呢，其实仁者见仁智者见智啊，古典的油画呢，是以特定光阴啊，写实手法啊，是这么描绘出来的，跟现在油画是完全不一样的，它是有特定的角度去欣赏，而且篇幅都比较大场面，比较震撼。

现在我们看古典油画儿的时候还是比较丰满的，人物的丰满度画面场景角度构图啊，从这几个角度去着手啊还是比较丰满的。

了解一下狗血的古希腊/罗马神话和圣经故事就可以啦~

尤其是古希腊/罗马神话，你会发现打开了五光十色的新世界大门！

在19世纪之前的古典油画里，除了各种老爷的肖像画之外，有情节场景的作品，题材都是比较固定的。画来画去其实都是那么几个经典故事和人物。

比方说波提切利这幅《维纳斯的诞生》。

维纳斯这个名字肯定都听过，最有名的是雕像「断臂维纳斯」，也叫《米洛斯的维纳斯》。

维纳斯也叫作阿芙洛狄忒，作为神话中爱与美的女神，在古典油画中是个热门IP，只要涉及神话题材的画家，差不多都画过。

不过维纳斯到底是怎么诞生的故事，可能很多人就不知道了。古时候有个掌管大地的女神，和掌管天空的男神是两口子。他俩的婚姻不太幸福，感情不好，三天两头的老吵架。

大地女神就撺掇自己的小儿子去把他爹打服了，让他再也不能嚣张。这个小儿子叫农神，也很听他妈的话，操起一把大刀就给他爹断了后，把szq切掉了。

农神拿着老爹的szq，觉得也有点恶心，随手就丢到了旁边的海里。szq掉进海里的地方，翻涌起了泡沫，一个贝壳从泡沫中浮上海面，贝壳里就生出了维纳斯。

所以四舍五入一下，这位代表世间至美的女神，其实是一根。。。变的。。。

然后再看看戈雅这幅《农神食子》。

没错，这老头儿就是上面给亲爹做绝育的战士，维纳斯四舍五入的亲哥哥。他的后续发展又是怎样呢？

亲爹败走之前，撂下一句狠话：别看今天闹得欢，明天让你拉清单。等你以后有了孩子，也会落到跟我一样的下场。

农神也是实诚，没见过什么世面，他爹这话就跟吵架的时候问候对方祖宗的形式差不多，他却深信不疑。

农神有了孩子之后，为了防止走上他爹的老路，只能孩子一生下来就一口一个，吞到肚子里。

然而尽管预防措施已经做到了这个份儿上，农神最后还是被自己的小儿子干掉了。

而这个小儿子的儿子，有天和狐朋狗友在小树林遛弯儿，还白捡了个公主当媳妇。

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还有前面那幅维纳斯，除了神话故事之外，背后还有个穷画家跟豪门少爷抢女人的狗血故事，公众号回复关键词「维纳斯」了解。

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什么是油画？“油画”起源于15世纪以前的欧洲，文艺复兴以后到20世纪我们可以看到的西方架上绘画几乎绝大部分是油画（还有小部分的水彩和粉画，草图不算）而在这个时间段之中可以说是人类文明发展最迅猛的阶段，而在这一阶段绘画领域几乎所有艺术流派、艺术风格的艺术家都以油画作为主要的使用工具。

欣赏古典油画可以从1.专业角度： 技术过人、构图、色彩、比例控制严谨的创作2.大众角度：内容动人、具有画面语言、叙事性的创作3.抽象、超现实主义角度：形式独特、思想内涵深刻的作品；在美术领域中我们通常会有：绘画材料，如：油画、版画、水彩画等；绘画题材，如：肖像画、风景画、历史画等；绘画风格，如：具象、抽象、表象等。

但当我们在以绘画材料来判定一类绘画艺术作品时，是不太会在前面加上“欣赏”或是“鉴赏”之类的动词的，除非具体到某一张单独的作品，或某一个艺术家的某一批作品。那么为什么会这样呢，因为就材料本身而言，只是艺术作品的载体。运用相同的材料可以创作出完全不同的作品，不同的材料又可以创作出类似的作品。而在美术领域，油画作为一种材料，其延展性是非常宽广的，如果只是单纯地说“油画欣赏”，其实这个范围可以大到无从说起。

举几个例子：大家最熟悉的油画肖像《蒙娜丽莎》

20世纪初蒙克的代表作，油画肖像《呐喊》

19世纪法国古典主义画家洛兰，油画风景《希巴王国皇后乘船的海港》

万人迷梵高的最著名的油画风景《星月夜》

以上列举的四幅画，大家可以两两对比一下，使用的材料同样都是相同的，但是却呈现出迥异的画面和风格，他们都是世界名画，但是，在鉴赏时，欣赏的角度，剖析的方式决然不同。按照以上推论，其实在艺术领域，当我们牵扯到“欣赏”、“鉴赏”时，我们“欣赏”的主要是其风格，当然有时候有一些材料因为其延展性不强，所能给创作者提供的可能性没有那么多，我们会以材料来定义这一类的作品，当然是在狭义层面上的。

对油画，或者油画所代表的西方美术感兴趣，可以读一读西方美术史。其实艺术欣赏和考古鉴定有些类似（当然指的是风格学意义上的）。在一件艺术作品呈现在我们面前时，无论是古代的还是现代的都需要有一定的背景知识作为参照，否则纯粹地依靠灵性去欣赏一件作品是很难的，能做到的人凤毛菱角。所以想读懂艺术作品，想理解艺术最好的、最直接的方式就是学习艺术史。可能很多人对艺术史很反感，其实不用一个字一个字这样的去读，艺术史本身可以当做是一个如字典一样的工具书来用。以百年做单位，粗略了解一些主要的、大的艺术风格，那么遇到具体的艺术品对号入座即可。