在相声表演中，一些观众会把"番"(悬念铺垫)或"包袱"(笑料)提前告诉给其他观众，这种行为就叫做“刨活”，而刨了作为“底活儿”的包袱，就叫做“刨底”。

“刨活”是听相声的第一大忌，会严重削弱作品的喜剧效果和感染力。

但是，由大鹏主演的喜剧电影《大赢家》，却在开篇就自己刨了“底”，它明明白白地告诉观众：

这只是一次演习，并非真实的警匪对峙。

而观众从一开始就知道抢银行是假的，为什么还会看得津津有味，并且大笑不止呢？

那么，我们就来一起细品品，喜剧表演中那些令你“发笑”的高级技巧。

相声“刨着使”：看得见的情理之中，猜不中的意料之外

相声表演，虽然很忌讳观众“刨活”，但如果是由相声演员自己技术性地“刨活”，后面的“包袱”反而会有“脆而密”的神奇效果，这种表演方式也被叫做“刨着使”。

关于“刨着使”，最著名也最“规整”的使用方式，是侯宝林大师的《戏剧与方言》：

捧哏演员一上场，就点明了上海话与北京话的不同，并强调上海的“洗”字发音为“汰”（与“打”字谐音），让观众先听清楚了误会原因，才会明白后面的故事，才能引起发笑。

所以，在特定作品中，演员如果不将叙事矛盾提前亮出来，观众就会听得云里雾里，不知所云，自然更难有喜剧效果。

“刨着使”是一种很受相声演员偏爱的表现手法，比如：《歪批三国》等“歪批”系列，《怯相面》《怯大鼓》等“怯”字系列。

观众自打听到报幕，就有了心理准备，知道了这个“活”的主题和“笑果”的大致方向，但是观众的内心却更加期待，甚至跃跃欲试的想要参与。

在听到苏文茂先生的那句：

“没看过苏批《三国》呀?那你是终身遗憾哪，你是死不瞑目啊!”

我们就知道，一个荒诞的故事即将拉开帷幕。

但明明知道苏先生马上要开始“胡说”，可我们依旧很好奇他到底要如何“胡说”：

“三国演义为什么叫三国？我们知道有"十八家诸侯讨董卓"，它为什么不叫"十八国"呢？”

“周瑜的姥姥家姓什么，诸葛亮的姥姥家姓什么？”

当这几个角度刁钻的问题被苏先生抛出来，“荒诞”的意味就更加明显，也吊足了观众的胃口。

大家都屏气凝神，想认真听他如何“自圆其说”，甚至在内心也跟着演员一起快速思考，摩拳擦掌地试图在他说出“答案”之前，替他“圆谎”。

接下来，苏文茂先生终于揭晓了答案：

因为周瑜感慨过“既生瑜，何生亮！”，所以答案是，既氏老太太生的周瑜，何氏老太太生的诸葛亮。

大家迸发出不可抑制的笑声，观众不仅获得了“意料之外，情理之中”惊喜，还同时得到了智力博弈的快乐。

最后，苏文茂先生还主动给了观众一个参与“创作”的机会，问出：

“张飞的姥姥家姓什么？”

这时，已经知道了猜题逻辑的观众们，当然更加投入地进行思考。

正当观众百思不得其解之时，苏先生一句云淡风轻的“无事生非”出口，场子瞬间就炸了。

不用捧哏的多问，大家就已经急切的用笑声和掌声表示自己“听明白了”。

观众热烈的反馈，是因为“刨着使”、“三翻四抖”的传统相声表演技巧，更是因为苏先生无可替代的个人艺术魅力。

所以，“刨着使”除了能交代清楚相声人物的故事情境之外，还有令观众不由自主地一起参与思考的神奇魔力，可以营造出一种高级的舞台互动。

虽然，如今“谐音梗”是要扣钱的，但是这些经典作品仍然让人百听不厌。

喜剧观众爱当“上帝”：人类一思考，上帝就发笑

戏剧的历史比相声的存在要久远的多，其艺术表现手法自然也更加的丰富和成熟，而其中的喜剧分支其实一向喜欢将“上帝视角”交给观众，大概是因为“人类一思考，上帝就发笑”吧。

而让“上帝”发笑，正是喜剧表演者成功的最重要标志之一。

所以，正剧影片往往习惯将最大的悬念，留到最后一刻揭晓，而喜剧则不同，它更喜欢将事件的真相或者发展方向提前暗示给观众。

观众不仅不会失去猜谜的乐趣，还会拥有更多新的期待，他们会不由自主的去猜想它的笑点到底安排在哪里，会更加好奇主人公在“规定的情境”之下，到底会如何应对，形成更有效的互动。

而因为这种“互动”的存在，观众就更容易被喜剧所传达出来的情绪和节奏控制，于是观众便由各怀心事的零散个体，成为了投入观影的整个群体，这也正是畅销书《乌合之众》所传递的理念。

所以，在电影《大赢家》中，观众们也会发觉，即便是猜对了情节，依旧不影响“发笑”。

比如，我们在严谨与女特警的对打中，刚刚见识了严谨的格斗实力，而就在此时，代乐乐饰演的银行女职员仍旧冲出来，继续无理取闹的要求结束演习。

面对实力对比的悬殊，面对严谨的“好人”性格，观众不由得会去替严谨思考——到底如何做，才能在不打女人的情况下，解决这个问题？

然而，镜头一转，看到代乐乐一脸苦闷的捂着脸，大家不由得一惊：真的打女人了吗，这么简单粗暴吗？

接着镜头再转，当大家看到了被打出鼻血的严谨，才明白：代乐乐捂脸是因为牙疼，严谨才是被打的那个，于是不由得捧腹。

这一幕，由于演员的演绎到位，且使用了一次镜头的“错引”，松动了观众情绪上的警惕性，所以即便观众猜对了结果，也依旧会有很好的的喜剧效果。

不同于斯坦尼斯拉夫斯基的“体验派”，德国的戏剧学家布莱希特提出了喜剧的“离间理论”，而这一理论也受到很多喜剧创作者的认同。

他们认为，令观众沉浸在剧中虽然有利于共情，但调动观众的主观能动性却更重要。

所以很多喜剧片导演更倾向于，不让观众完全沉浸在喜剧电影中，而令其以旁观者的心态去参与“创作”和“猜想”。

于是，在电影《大赢家》中，银行职员和警察身前挂着的白色牌子，严谨手中的玩具水枪，柜子里的香蕉炸弹，都无时无刻不在提醒观众们：

这一切都是假的，这只是一场“合理合法的抢劫”。

成功令观众从场景中抽离出来，意识到这只是电影的虚构，而从影片的业内口碑和观众反馈来看，“笑果”确实非常不错。

喜剧太难了：“人保活”和“活保人”缺一不可

喜剧并非必须悬念迭起，或者深刻感人，也正因如此，观众对于喜剧的评判标准就更加简单明了：可乐，还是不可乐？

如果，你拍了一部正剧，观众评价不高，你可以解释成曲高和寡无人能懂。

如果，你拍了一部悲剧，观众没有哭，你可以说大悲无言，欲哭无泪。

但是，如果你拍了一部喜剧，然而没人笑，你就真的悲剧了。

这就比方说，一场歌剧，不论演员表演的好与坏，他们总能体面的下台，最多就是掌声少一点。

而如果是相声专场，三个“包袱儿”过后，底下观众没反应，演员能慌出一身汗。“包袱儿”响不了他们是真的下不来台。

去看喜剧类表演的观众，目标太明确了。

他们不是为了寻找灵魂的震荡，不是为了感悟人生，甚至不是特别在意“声光效”，也不在意导演是否有藏在表现下的表达深意。

他们从买票的那一刻起，就知道自己是“买笑”去的。

当然，如果以上说的那些特质能同时兼具则更好，但是如果没能让观众笑，那么很抱歉，不论多有“深度”，观众都会认为表演是失败的。

在春晚舞台上，为我们带来无数欢声笑语的“小品女神”宋丹丹，在一次采访中说：

“让观众笑是一件非常难的事情，比让观众哭还有压力，心里特别没底。与其有一天被嘘下台，我更愿意自己走下去。”

所以，让人发笑真的很难，喜剧需要好的剧本，更需要好的演员。

在表演中，有“人保活”和“活保人”的说法。

相声表演里面的“人保活”，通常是说作品本身比较平淡，但是由于相声演员的精湛业务能力，照样能把段子说的“抓人”、“可乐”。

比如，马三立先生，他的段子，别人很少敢重新演绎。

《逗你玩》这个作品几乎就是马三立随手捡的一个小笑话。如果只看文本谁也乐不出来，可是到了大师嘴里，就是让你那么想乐，甚至百听不厌，这就是演员个人的艺术魅力。

再比如，刘宝瑞先生，他说话的时候有一些小习惯，爱加“嗯，啊”这种语气词。在别人那儿，这可能算是“毛病”，但是在刘宝瑞先生这里，就是特色。

他讲的段子不疾不徐，不温不火，声音也不高，可就是这么吸引人，连他说话的停顿、气口儿、小毛病，都那么可乐。

而喜剧作品的“人保活”就更难了，它不仅指好演员，也指故事的人物塑造，喜剧并不是时时的给你“抖包袱”或者“说俏皮话”，归根结底它是在讲故事，塑人物。

有时候一句普普通通的话，台词本身并不可乐，但是你偏偏就笑了，这是为什么？

是因为人物的性格、状态等整体的成功塑造，让你觉得此时此刻此人说的这句话就是可乐。

就像电影《大赢家》，出场的所有人物，包括只有几句话的小配角，都有“立得住”的性格，他们的每一词开口一举一动，都准确地表现着这个人物应有的特征。

你一闭眼，所有人物还是栩栩如生，这就是这部影片获得成功的关键。

喜剧真是太难了，可以说是天时地利人和缺一不可。

也请珍惜身边的那些，愿意努力让你笑的人吧，他们值得尊重和被爱。