波普艺术｜妙趣诙谐、大众的流行“色”

“波普”（Pop）也是“棒棒糖”（Lollypop,Lolly是舌头，Pop是涂抹）的一个简化口语词，可追溯至十八世纪。表示可口可乐之类的“汽水”（Soda Pop）一词，大致也是那个时期产生的（这里的Pop可能是指瓶子开启的声音）。无论如何，我们都可以看到轻松愉快的享乐和渴求欲念的转化。

波普艺术的由来

波普艺术可能是二十世纪最为重要的艺术运动之一，是什么造就了波普艺术？

波普艺术一般被认为是从1950年代中后期开始的。由一群在英国自称“独立团体”的艺术家、批评家和建筑师引发，他们对于新兴的都市大众文化十分感兴趣，以各种大众消费品进行创作。波普艺术是主要源于商业美术形式的一种艺术风格。

理查德·汉密尔顿（英）

1956年，独立团体举行了画展“此即明日”（This is Tomorrow），其中展出了理查德·汉密尔顿的一幅拼贴画《究竟是什么使今日家庭如此不同、如此吸引人呢？》。理查德·汉密尔顿被认为是波普艺术之父，同时他也是杜尚的学生。

《究竟是什么使今日家庭如此不同、如此吸引人呢？》

画里有药品杂志上剪下来的肌肉发达的半裸男人，手里拿着像网球拍般巨大的棒棒糖；有性感的半裸女郎；室内墙上挂着当时的通俗漫画《Young Romance》，并加了镜框；桌上放着一块包装好的“罗杰基斯特”牌火腿；还有电视机、录音机等现代家庭必需品，灯罩上印着“福特”标志；透过窗户可以看到外边街道上的巨大电影广告的局部…这一切都可以通过那个半裸男人手中棒棒糖上印着的三个大写字母得到解释：POP。

波普艺术的发展

安迪·沃霍尔（美）

波普艺术的特点是将大众文化的一些细节，如连环画、快餐及印有商标的包装进行放大复制。

安迪·沃霍尔

安迪·沃霍尔是波普艺术的倡导者和领袖，也是对波普艺术影响最大的艺术家。他大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法。代表作包括《玛丽莲·梦露》《金宝汤罐头》《可乐樽》《车祸》《电椅》等。

《玛丽莲·梦露》

《玛丽莲·梦露 双联画》

60年代的美国成为世界“波普”艺术的中心。美国立国时间很短，没有太多的传统包袱，美国式的实用主义精神与大众文化有着密切的联系。自第二次世界大战以前杜尚将“现成品艺术”带到美国，便使美国在战后抽象表现主义艺术泛滥的同时也出现了“波普”艺术。

安迪·沃霍尔——《100个可乐瓶》

波普设计打破了二战后工业设计局限于现代国际主义风格的过于严肃、冷漠、单一的面貌，代之以诙谐、富于人性和多元化的设计，它是对现代主义设计风格的具有戏谑性的挑战。

安迪·沃霍尔——《金宝汤罐头》

设计师在室内、日用品、家具、服饰和平面设计等方面的设计上，进行了大胆的探索和创新，表现出前所未有的形式：夸张、奇异、富于想象力的造型；色彩单纯、鲜艳；材料多选用塑料或廉价的纤维板、陶瓷等。

安迪·沃霍尔——《车祸》

安迪·沃霍尔——《电椅》

其设计挣脱了一切传统束缚，具有鲜明的时代特征。其市场目标是青少年群体，迎合了现代青年的桀骜不羁、玩世不恭的生活态度及其标新求异、用毕即弃的消费心态。

罗伊·利希滕斯坦（美）

作为波普艺术的主要代表，利希滕斯坦和安迪·沃霍尔、韦塞尔曼、罗森奎斯特一样，不仅喜欢日常生活中的平凡琐事或者现代工业化美国的丑陋形象，而且还以非个性的方式来处理这些形象。

《Crying Girl》

利希滕斯坦以平淡无奇的连环漫画为基本题材，用丙烯颜料将它们复制放大，通过极为有限的平涂色块和准确结实的黑色线描将它们忠实地描绘在画布上，甚至连廉价彩色印刷工艺中的网点都被不厌其烦地复制了出来，这是波普艺术大师利希滕斯坦最著名的艺术特色。

《Crying Girl》手稿

《Crying Girl》原作

劳申贝格极力将艺术与非艺术结合在一起，他提倡“艺术家与环境合作”，“与环境合作便是与大自然合作，工艺技术便是‘当代的大自然’”。

《无题·中国》

1985年罗伯特·劳申贝格在中国举办展览时展出的“波普”作品《无题·中国》。1962年，包括罗伊·利希顿斯坦、克莱斯·奥登伯格、安迪·沃霍尔等一批“波普”艺术家举办展览，标志着美国的“波普”艺术和设计真正成为具有影响的潮流。

新波普

草间弥生——圆点南瓜

草间弥生（日）

草间弥生从小的时候就会产生一种幻觉，一种会吞噬掉她视线中一切的神秘幻觉。这也成就了她对于自身符号的原点的探索，并努力将原点变成自己对于外界世界的解读，成为她作品中决定性的的元素。草间弥生发掘了圆点的无限可能性，她的作品富有很强烈的装饰效果。她的作品是时尚的宠儿，有许多大牌都热衷于与她合作。

她曾经说过，“地球也不过是好多好多圆点中的一个。”

圆点南瓜

草间弥生对南瓜情有独钟，南瓜是她作品里常见的要素。她认为，无论从哪个角度看南瓜，南瓜都是非常完美、有趣和可爱的，每次看它时都会有新发现。

LV与草间弥生合作的2012秋冬季包包

《The Women》

这件作品是草间弥生刚搬到美国时展出的第一件作品。水彩画描绘了一种奇异的生物形态，中心的圆点浮在一个看似黑色的深渊中。整个作品充满了奇幻和激进的效果。

Narcissus Garden (1966)

这件作品的原型出现在希腊神话中，那耳喀索斯沉醉于自己的美貌，最终导致他憔悴而死,当观众站在球面前时，镜面扭曲的反射，面对的却是自己。

凯斯·哈林——涂鸦小人

凯斯·哈林（右）和麦当娜

1978年，Keith Haring来到纽约，他回忆说：“我20岁时来到这座城市，汽车、火车、墙壁上，城市到处覆盖着好看的涂鸦。

Keith Haring 喜欢在公众场合画画，喜欢有人看着他画，对他来说这是一种哲学和社会学的实验，他在学习在观察人们对他画画的反应和互动。

纽约街头的涂鸦给了他特别的灵感，涂鸦描绘了一个时尚、街头智慧、创意、自发和地下的世界——所有这些都是他所仰慕和向往的。

《瑞士蒙特勒1983年爵士音乐节海报》

哈林习惯用简明流畅的线条和直接传递讯息的创作方式描绘生命、死亡、爱情和战争，直至今日，他的作品仍是跨越国别的视觉语言，他的涂鸦形象已被广泛地应用于服装、室内装饰、广告设计上，成为涂鸦文化的一代宗师。

《红心》

BOY LONDON 与 Keith Haring 限量联名

凯斯·哈林的涂鸦小人被广泛应用在人们生活的各个角落里面，有的人评论说，凯斯·哈林将高雅的艺术与街头文化连接了起来。我想，大部分人可能只是喜于凯斯·哈林的这种艺术表现形式，却很少人能够真正地理解他的内心。

在哈林的世界图画中，前景与背景之间，室内与室外之间几乎没有什么区别。在他的一件作品中无论构图有多么复杂，所有的动作却压缩在一个没有深度的电视平面之中。

尽管在哈林创作的几乎每一件作品中都有一种叙述性，但是“故事”既没有结尾也没有开始。这很像计算机的任意通入功能，观看者或操作者可以在任何一点“追踪”哈林作品中的局部。

哈林说：“我不认为艺术是宣传；它应该是解放灵魂、激发想象力、鼓励人向前迈进的事物；赞颂而非操纵人性。

波普艺术诞生于20世纪50年代的英国，在反传统艺术出现时波普艺术带着现实主义登上历史舞台，波普艺术之父汉密斯顿为其做出通俗的注解：通俗的、可消费的（容易忘记的)、低廉的、大批量生产的、年轻的、妙趣诙谐的、性感的、诡秘狡诈的。波普艺术以其独特的手法表现着其下时代的特点，如今波普艺术似乎又重新为人们所熟悉起来。

（图文资料来源于网络，侵删）