遇见伦敦新势力

对于未来世界的探索和想象一直是KWK by Kay Kwok灵感的源泉，在极具视觉冲击力的设计语言之中有着他对于当下人类生存状态的深刻思考与感悟。在这一季，KWK by Kay Kwok描绘的未来图景与当下产生了情感联结，对生命的思考赋予了冰冷的赛博世界前所未有的人文关怀。以时光旅行者的视角，KWK by Kay Kwok诠释着“走出世俗”的精神，探讨了如何通过审视内心并与真实的自我表达相联系，从而达到色彩鲜艳、夸张的新境界。KWK by Kay Kwok尝试着带领人们在未来到来前寻找心灵的寄托，迷幻的巨型花朵和轻拂双指的观音成为了贯穿整个系列的意象，寓意着远离沉闷和肃穆，摆脱来自上层的压力和沉重，抵达光明的富足和喜悦。异次元冒险的结局，在大秀结尾李玟的歌声中得到了解读。所有真实存在过的爱与回忆，都会成为回家的路，这是一种落地的踏实，亦是一种超脱的顿悟。

未来感一直是你设计中的重要元素，你如何描述你眼中的未来世界？而你觉得时装在未来世界当中会有着怎样的功能和意义？

未来感不只是前卫风格，我觉得最重要的是去构建一个未来世界的图景。每个人眼中的未来都是独一无二的，所以设计师以未来为灵感所进行的创作都应该是很独特的。这一季我们诠释的是一个时光穿梭的概念，通过色彩、3D打印等等元素被具象地呈现。在未来，我希望借助科技我们能在服装的设计上“玩”一些新花样，无论是具有未来感的或者环保的新面料，还是包括3D打印这样在内的新技术。

在虚拟时装领域的尝试带给你怎样的启发？你如何看待虚拟时装的下一步发展？

我们和很多流行的虚拟时装平台进行了合作联名，在海外得到了很好的市场反馈。在我们的团队中也有专业的3D设计师，包括这次大秀的邀请函也是使用AI参与了创作。我觉得虚拟时装和AI这些技术的发展其实在拓宽我们设计的视野和边界，带给我们很多新的灵感。在我看来虚拟时装其实已经进入了一个冷静期，进入了更为理性的发展阶段。

KWK by Kay Kwok的许多设计并非大部分消费者可以驾驭的，你是否会担心自己的受众群体有限？你心目中会穿着你设计的人是什么样的？

其实比起设计更具有商业属性的东西，我还是想专心去做一些这个行业当中没有人做过的东西。这个行业确实已经沉闷很久了，所以我希望能带来一些新的冲击，我会更专注在创意表达的部分。当然我们也会推出更实穿的产品，我们的团队中有更擅长商业化设计的成员，他们会将我的创意延展和转化为更多人可以穿着的设计。

作为一名来自中国香港的设计师，你认为你的成长过程和文化背景带给你怎样的影响？你如何看待现在的香港设计师力量？

这其实对我有很大的影响。我出生在香港回归之前，所以在最初我的审美会受到西方更多的影响。但是在最近几季我们尝试了很多包括《封神榜》在内的中国元素主题，这并非是我因为自己是中国人而刻意去这样创作，而是伴随着我在上海发展，我觉得西方的那些灵感让我有点疲劳了，反而是之前我没有深入研究过的东方元素更加能激起我的兴趣。香港是很独特的，有这样的文化融合。这两年有很多对于时尚充满热情的香港设计师涌现出来，我相信他们对于设计一定有着十足的热情，我也期待他们能够创造香港的设计师力量。

为许多艺人进行舞台造型的设计是一种怎样的体验？在你看来这种创作和你以往的设计工作有着怎样的区别？目前为止你最满意的是为哪位艺人设计的造型？

其实很多时候都是艺人会主动找到我们，希望和我们合作一个演唱会或者电影的造型。我可能要先了解他们需要的主题是什么，我觉得能符合KWK by Kay Kwok调性的元素在里面有多少以及实际操作的可能性有多大，我在这样的筛选过后才会决定要不要做。当然在我和艺人的合作中印象最深刻的还是李玟，我为她设计演唱会的服装造型，包括她舞蹈团队的服装。在这场秀的结尾，我用她的歌《想你的365天》向她致敬。从她走的那一天起，我就真的每天都会想起她。我选择用这样的方式向她致敬，希望她真的去了一个新的世界，一个更快乐的世界。

Abigail Ajobi选择用一支创意影片来展示名为“Anti-Muse”的2024春夏系列。这支影片拍摄于她的故乡尼日利亚，片中的女孩们穿着Y2K风格的新装，极具非洲风情的扎染和印花元素点缀其间。她希望探索年轻世代的尼日利亚女孩如何被流行文化和传统文明的交织塑造出独特的身份，更希望她们能够自信勇敢地展露真实的自己。Abigail Ajobi的设计将社会的文化氛围作为灵感的主要来源，她的尼日利亚身份使她擅长将非洲文化融入作品中。在她看来时尚和服装是表达自我的最好方式，在尼日利亚的文化中人们重视这种创造力。如她所说，当她在家乡参加婚礼和派对时，他们会给出一块布料，她可以自己设计，而这就是她习以为常的表达自己的方式。

在伦敦中央圣马丁学院（CSM）和伦敦时装学院（LCF）的求学经历带给你最大的收获是什么？对你日后的设计产生了怎样的影响？

我在CSM修读了基础学位，我认为它真正教会了我如何发挥创造力，如何表达我的创造力。我认为这是最重要的，而在LCF我学会了如何更有条理地发挥自己的创造力，这对于我运营自己的品牌很重要。在这两所学校的经历让我真正发现了自己的风格和喜欢的东西，在这里学到的东西让我成长为我自己和我的风格。

作为一个新锐设计师品牌，坚持从每个系列的获利中取出一部分捐给慈善机构是出于怎样的考量？

这对我来讲是一件非常重要的事情，因为身处这个世界，你必须回馈这个世界。除非你能让空间和周围的人受益，否则一味地创作是没有意义的。所以，这就是我的目标，我喜欢在个人生活中这样做，并将其融入到我的事业中。

在宣言式的表达中如何实现你的时装美学追求？会不会担心这些印在衣服上的口号掩盖了更多设计上的细节和思考？

并不会，它只是一种表达形式。就像在我的上一个系列里，我呈现的标语来自于我父母的情书，我选择了他们的手写字迹做成了印花，因为这个系列就是一个爱情故事。文字的表达更加直接，也更生动，手写的方式呈现的是一种情绪，以视觉冲击更为强烈的印刷体呈现则是另一种情绪，它本身就是一种设计上的细节和思考。

当你在设计印花的时候，你的灵感往往由何而来？你如何看待这一元素在你的设计中的作用？

我的每个系列都融入了我的印花图案，它们真实地表达着作为设计师的我，表达着作为一个个体的我。就像这次的设计，我们采用了传统的尼日利亚印花，但使用的是更为现代的方式。这些印花过去往往以蜡染的形式出现在棉织物上，这次我们把它用不同的形式呈现在针织衫和泳衣等等单品上，这更具有我自己的风格。对于我来讲印花只是我创作中的一个元素，我喜欢在简洁的廓形上利用面料上的变化来表达我的灵感，印花也好，刺绣也好，最终还是要跟随着我的灵感和创造力，实现我要呈现的最终结果。

挪威品牌Holzweiler在这一季首次亮相伦敦时装周，品牌显然需要一个比此前举办发布会的哥本哈根更大更主流的舞台来展示自身形象。但这并非一场传统意义上“气势宏大”的首秀，Holzweiler延续了沉静美好的北欧美学。在从前是废弃工业煤场的卡姆利街自然公园里，如今已是一片草木丰美的景色。细雨中模特们身着宽松舒适的大衣、衬衫和针织衫穿梭其间，来自于自然景物的可可色、石青色、薄荷绿、丁香紫和矢车菊色里点缀着别致的植物拓印图样，有着恬淡清爽的观感。柔和的色彩、宽松的廓形和柔软的肌理体现着对于身体自然舒展的觉知，身心灵的自由成为了Holzweiler本季的隐性主题。而在如此轻盈温柔的呈现背后，Holzweiler以新锐之姿亮相伦敦时装周，渴望向世界展现的还有品牌自身盎然的生命力，以及在人们所熟知的北欧美学之外，更多令人惊喜的可能。

Holzweiler是一个来自北欧的品牌，你们认为它身上最具有北欧地域特质的部分是什么？而Holzweiler的设计风格又和人们既有印象中的北欧风格有何不同？

Holzweiler源自挪威，这里的人们对于自然有着格外的崇敬，也更关注人与人之间以及人与周围环境之间的联系。全新发布的2024春夏“万物归野”（Rewilding）系列就是在展现这一点，它是挪威生活方式的宣言，一种庆祝重新融入大自然，在游牧、探索和城市中快乐旅行的生活方式，这就是Holzweiler所独有的北欧美学基因。但是Holzweiler展现的北欧美学和人们在哥本哈根时装周看到的丹麦风格也有很大不同，是有着挪威味道的另一面。我们希望Holzweiler的设计能在生活与时尚之间架起一座桥梁，让每一套造型能够适应一天中的任何活动。

作为一个倡导可持续发展的品牌，如何解读时装作为一种消耗品所能实现的可持续性？Holzweiler如何通过品牌的举措来降低生产制造到销售环节对于环境和资源的影响？

北欧的时装行业在可持续发展领域一直具有前瞻性的思维，我们很自豪自己身为其中一员。自觉的可持续时尚实践是Holzweiler的核心价值，因此我们从系列设计、生产到店铺设计等等层面都考虑到了这一点，包括我们会为一些产品提供维修缝补的服务。在我们的产品系列中，我们使用了回收的尼龙和羽绒、有机棉和当地采购的挪威羔羊毛等等材料以尽可能降低对环境的影响。我们还喜欢回顾我们的品牌档案，重新利用已有的材料，比如在2024春夏系列中有许多丝巾是来自我们的第一个系列。

伴随着品牌受到更多的关注和规模逐渐扩大，如何保持品牌创始之初的理念和方向？在这个过程中，你们遇到最大的收获和挑战是什么？

Holzweiler确实在不断发展壮大，我们非常高兴能够在新的地区与不同的受众见面。无论我们如何扩张，对我们来说最重要的是，我们要不断回归我们的价值观和我们的出发点。在这个过程中我们觉得保持一贯的真诚对于品牌发展是尤其重要的。我们总是说我们喜欢接受挑战，因为这是保持动力和灵感的源泉。这就是我们决定进军伦敦时装周的感受，我们希望体验到全新的、令人兴奋的挑战。

Holzweiler一直以来都非常热衷于和不同领域的人才进行跨界合作，这些合作对于品牌来说有着怎样的意义？未来在这个方面还会有怎样的尝试？

Holzweiler建立的跨界链接和社群对我们来说非常重要，我们的品牌是以家庭为单位创立的，因此我们把一路走来的所有人都视为家庭的真正延伸。当我们在新市场建立品牌时，与志同道合的人建立联系非常重要，因为他们与我们的价值观一致，也能与我们的全球受众产生共鸣。我们希望通过跨行业合作来探索 Holzweiler 的生活方式元素，只要有志同道合的合作对象，室内设计、艺术家、生活方式以及食品和饮料……一切皆有可能！

在你们的预想中，Holzweiler的消费者是怎样的人群？在你们看来Holzweiler对于中国消费者最具有吸引力的地方是什么？

我们的客户与我们有着相同的价值观，他们欣赏与他人和周围世界的联系，拥有一种由各种创意追求组成的生活方式，他们不伪装，充满自信，忠于自我。通过传达所有这些价值观，使 Holzweiler不仅仅是一个纯粹的“时尚”品牌，我们认为我们的受众会在不同层面上找到与 Holzweiler联系的方式，并认同这种生活方式。Holzweiler已经在中国建立起了令人惊叹的社群，中国消费者对我们的核心产品以及背后蕴含的北欧文化中长期主义的生活方式和可持续发展价值观特别感兴趣。

在Jake Treddenick的设计当中，百褶裙、雪纺纱以及波点透视等等元素被运用在男装当中却并不觉得违和，性别界限的模糊反而让时装的主体性和美感更为纯粹。这一切源自于他分别学习过女装和男装设计的经历。他将女装中精细的工艺和细节以及张扬艳丽的表达方式带入男装设计中，这种打破局限的融合带来了超出预期的效果，更开启了关于性别话题更为深刻的探讨。Treddenick 2024春夏系列“REX”便是由此出发，审视着所谓“阳刚之气”的表现形式，旨在展示它们仅仅是一种建构，一种可以设置在玻璃后面的表演。无论是在历史上还是在今天，Treddenick都在质疑我们认为谁占据了这个被展示的位置，以及我们与这个位置相关的典型特征。通过这个系列，Treddenick开启了这样的探讨，并以真实的私人表达让对于这一概念的诠释不再僵化，而是不断发展和包容的。

在你看来，传统的“男性”身份定义在当下是否正在被消解？你如何在你的设计中去展现这一点？

是的，我身边的很多酷儿和流动性别的朋友时常和我谈起这种基于性别的观念，以及当下社会是如何看待性别问题的。所以我会觉得传统的二元性别或许本身就是一种被构建的展示品，在未来会有人们去质疑和反思它的形成和存在。这也是这一季“REX”所想要表达的。在设计的呈现上，这种消解体现在剪裁和垂坠的轮廓。我们研究了18世纪的欧洲宫廷服饰，从中获得了灵感。我们的想法是，如果这个人存在于18世纪，当他现在来到这里我们该如何让他的服饰变得适应当下？他们又会如何穿着这些服装？其中一些款式的灵感来源于宫廷礼服的款式，但我们将它进行了解构重组。

在设计中传统的剪裁和手工艺的坚持对于你来说有着怎样的意义？反叛的精神与传统的技艺之间如何融合？

对我来说，这是关于在一个瞬息万变的行业中失去匠人精神的问题，有时候我觉得精致工艺的理念会丢失。而我所做的，就是帮助他们在当代背景下将手工艺发扬光大，并与他们一起努力，让他们明白，其实一件作品的细节与整个系列同样重要。在设计中我们不能只注重宏观的感受，每一个部分都应该被重视。我一直都是个叛逆的人，所以我从小就知道为了争取自己想要的东西需要无所畏惧。而传统技艺在我看来其实是这种反叛表达所必要的，因为它本身就承载着历史，也使得人们有着既定的欣赏视角。在这一基础上，如果可以唱唱反调，或许会带来更为强烈的效果，这不是件坏事。在我们的设计中我们就是这样运用军装元素的，在这个基础上加入更为当代的元素，事实上呈现的效果很不错。

你认为你的设计是为怎样的人群创作的？你希望你的设计能够传递给他们怎样的信息和能量？

当我们在创作这个新系列的时候，我们想到的是达芙妮·吉尼斯（Daphne Guinness）和伊莎贝拉·布洛（Isabella Blow）这些热衷于收藏时装精品的时装偶像们，她们懂得这些设计背后的艺术底蕴，更能够看到这些时装所呈现出的深刻表达。在设计过程中，其实我们一直在强调“展览品”的概念。比如我们在衣服背后做的刺绣装饰，我们就是想象这件衣服是被藏家收藏进博物馆的展示柜当中，人们隔着玻璃去欣赏，却无法触碰。这是一种很微妙的感受，我希望创作出能赋予人们力量的作品，让每个人都感觉自己很强大。Treddenick是一个在不同的领域都有令人难以置信的包容性的品牌，因此我希望人们能从我的设计中感受到强大的力量。

选择在伦敦创立自己的品牌有着怎样的考量？这座城市带给了你怎样的创作灵感？

我觉得伦敦是一个自由开放的地方，我在这里找到了自我。在伦敦你可以在凌晨三点买快餐，你可以出去喝酒，然后你会遇到各种各样的人，他们可能是金融家、艺术家和创意人……或者任何你想不到的身份，这是一种非常有趣的组合。而这里对于年轻品牌来说可以更自由地发展，本地的产业链也十分发达，我和我的制造商们随时可以见面。

时装在很多时候被视为对社会议题的回应方式——Albarella这一季用颇具挑逗意味的改造为朝九晚五的办公室通勤装赋予了更为性感的面貌。象征着权力和秩序的正装元素被Albarella切割、透视和扭曲，西装、衬衫和领带这些看似严肃压抑的单品都拥有了强烈的性暗示和讽刺意味。Albarella希望那些被限制着装的男人出了压抑沉闷的办公室不必换装就开始一个狂野的派对之夜，那些所谓的得体和合理显然并没有让自己快乐来得重要。Albarella把性感诠释为不受规训的叛逆，西装领子上的金属搭扣就是个绝妙的例子。那些略带恋物族群标志的元素在一本正经的服装中出现，有一种禁忌的性感，更有一种乖张的幽默。显然，Albarella延续着一贯的设计理念，外表上看是高喊着“body!body!body!”的性感宣言，更深处则是期望着人们从被规则秩序驯服的状态中跳脱出来，尽情释放自我。

在你的设计中许多经典的男装单品被解构重塑，你希望以此呈现的男性形象是怎样的？你心目中的目标消费者群体又是怎样的一群人？

我希望呈现的是一种更加年轻新鲜的男性形象，不同于传统的刻板定义。传统印象中的“男子气概”带来了许多歧视和霸凌，在我生活在意大利的时候我经历过走在街上被不友善的目光注视着，这让我无法找到自己作为一个“不一样”的男性的安全感，所以我希望通过我的设计打破这一切，而和我一样的这些人也正是我的目标消费群体。

你打造的男士形象是十分大胆和激进的，你如何解读这样的呈现形式？在你眼中男人的性感是怎样的？

你看到这些镂空的剪裁也好，低腰裤的元素也好，其实就是为了展现美丽的身体。衣服是可以帮助人更加性感的，就像现在这样。但是性感更多是来自于穿这件衣服的方式，或者是穿着者的一种态度，像这样大方展示好身材就是一种性感，但有时候密不透风的衣服也同样可以展现性感的一面。

以内裤和身体为灵感的“The Bulge”手袋成为了一时话题，你希望通过这件单品传递的是怎样的信息？

事实上这个包的创意要早于我创立这个品牌。当时脑海中想到的故事是一个人会把自己需要的所有东西都带在身上，方便取用，而这个作为男性性征的身体部分也成为了他随时可以取用的配饰。它意味着刻板印象里的一种男性至上的权力，我试图用这种方式来进行讽刺。

作为一个非常年轻的设计师品牌，你对于当下的市场和品牌的未来发展有着怎样的考量？

现在的市场环境对于我们来讲是十分艰难的，尤其对于像我们这样一个男装品牌，需要打破更多的偏见和刻板印象。但是我相信我的设计有它所针对的群体，有它的市场。所以眼下我需要做的应该是和更多的showroom和零售商进行合作，当然目前我也接受定制的服务，包括为一些品牌提供产品设计等等。

设计师Daniel Gayle从加勒比海和爱尔兰背井离乡来到伦敦的祖父、特立尼达作家讲述底层移民在伦敦境遇的小说《孤独的伦敦人》、英国人的海滩穿着以及他自己所经历的九零年代潮流—这些看似零碎的元素交织在一起，意外地融汇成了一个生动鲜明的系列。延续了他一贯对于颜色、质地和图案的好奇探索，整个系列有着令人愉悦的观感。加勒比海的热带风情和伦敦的严肃深沉有着微妙的调和效果，严谨精致的男装当中也有了俏皮的一面，在明快色彩和轻盈材质构建的流动感当中，我们以一个更为乐观的角度去看待异乡人在伦敦寻找归属和认同的历程。Daniel Gayle将这种微妙的情绪借由层叠式的穿搭呈现。穿着衬衫的模特在腰间系上更多的衬衫，或是短裤套在长裤外面，或者把单衣拉到腿上……这些穿着方式来自于设计师从热带搬迁到伦敦的祖父们。

为什么会选择用两位祖父的名字来命名你的品牌？这其中有着怎样的故事和寓意？

我的两位祖父Denzil和Patrick是在20世纪50年代从牙买加和爱尔兰移民到伦敦的，正是因为他们的到来才有了我的家庭在这几十年中成长的历程。从他们开始，到我的父母经历的六七十年代，到我所经历的九十年代，在期间所发生的文化的碰撞和融合是我设计的主要灵感来源。我希望这个品牌所表达的东西不止是我自己，不要局限于我自己和时装之间的联系，更要让我可以把自己抽离出来，为服装想象一个不同的世界，这非常重要。

来自家族中的加勒比海文化传承如何影响了你的设计？在这些明快的色彩和材质的碰撞中，你想要呈现的男装形象是怎样的？

加勒比海文化中多姿多彩的生活方式带给我很多创意，尤其是在色彩和印花上，你可以看到这些海岛风情十足的亮色在系列中具有的存在感。这些印花元素会让人联想到这些花纹的来历，它们出现的时代背景和故事，和这些色彩一起构成更为强烈的印象。我热衷于通过材质和印花的呈现来表达情感，这也是我所擅长的。事实上，我们在做的就是探索和玩耍，通过这些设计把你能想象到的男装形象发挥到极致。尤其是在伦敦这样一座风格鲜明的城市中，我们依然可以畅想加勒比海的热情和浪漫，这是一件很美妙的事情。

在不同的城市工作是否会带给你不同的灵感？伦敦对于你来说最特别的地方在于哪里？

我在巴黎和纽约都工作过，都是很有趣的地方。但是在我看来伦敦一直是最能体现个人风格的城市之一，因为你会看到那么多人用穿衣打扮来真正地展现自我。伦敦人在穿着上是不怕冒险的，他们更自由，更勇于探索自己的身份。在这里不同的群体、不同的潮流和不同的人都有自己的小天地，我觉得这很令人兴奋。

品牌创立后你一直在坚持可持续时尚的实践，可以和我们分享一下你是如何做的？在你看来可持续时尚的意义是什么？

其实我并不觉得我们真的实现了可持续时尚，因为我们依然在继续生产新的服装。只是在生产的过程中，我们尽可能地去实现循环使用有机的材料。棉在我们的产品系列中有很多循环利用的部分。比如我们使用的涤纶都是回收涤纶，我们也会将羊绒循环利用制成新的单品。与此同时，我们有着相当严格的采购政策。这意味着除非符合我们所认同的可持续标准，否则这些材料都不能进入我们的系列。因此，这意味着我们的工作会更加困难。每个系列创作的速度会慢一点，也不能像其他设计师一样去探索所有新面料技术。但我认为我们有很多创新，比如和一些有趣的日本编织者用回收的聚酯纤维做不同的事情。

编辑-Alex Xi

新媒体编辑-Monster C

文字-尤尼科

图片-品牌提供

特别感谢-伦敦时装协会（BFC）