为什么西方的油画相比中国的国画看起来很逼真？

首先，中国画不会像油画那样注重背景的细化，中国画讲究的是意境美，可以在一张白纸上画一枝梅花悬挂空中，可以单画一棵白菜或一块石头，都或将成为独立的一幅画。而油画，画任何物品都要有背景，而且油画极其注重透视法，所以力求像似真物。

有句老话常说“艺术无国界”，可中国的国画与西方油画之间的区别却一目了然，先不论笔法、主题方面的不同，单是整体画作呈现出的感觉，中西方就截然不同。西方的油画大多栩栩如生，画面上的景色、人物仿佛经过画家的手复制到了大家眼前，赏画时会被那逼真的画面震得心头一跳。

而中国的国画就写意许多，朦朦胧胧的美感，就跟将画家心底或梦境中的景物打着滤镜和柔光，带到了人们面前，看画时假如不留神介绍，肯定是反应不过来画家到底画的是哪座山、哪个柔婉的女人，只会被画中传达的那影影绰绰的情绪带动心底的感觉，勾起一片遐思。

那么中国国画没有西方油画看起来逼真，就说明画师技不如人吗？答案必然是否定的，这两者之间从来都不分优劣，只是中西方的审美不同导致。就好比两方看似都在长跑，可起头就没在一个赛道，所以评判标准就也不相同。

中国国画追求的一直就是意境、感觉和含蓄美，就跟诗词一般，要在嘴里细细咂摸好几遍，才能品出各种滋味，国画就是要在眼里周旋好几个圈，才可以领略到其中的魅力。

好比曹植的《洛神赋》，洋洋洒洒各种抽象形容词叠加，每个读者看完心中的洛神长得都不太一样，国画也是如此，同样一幅画，有的人看到了乡愁，有的人看到了桃花源，还有人看到曾经去过的景点。

西方油画追求的就是很简单的一个字像，要特别像，能取代1200万像素手机拍出的照片那么像，要让每一个看画的人都得反应一会，这是拍出来的还是画出来的那么像，所以逼真这个词用在西方油画身上特别传神，正是那跟真的一样的画作，就是西方油画的目标。

那么西方油画为什么这么逼真呢？其实它也不是自古就如此，时间点大约在欧洲文艺复兴左右，西方油画经历了好几次的更新，先是传奇少年马萨乔发明了透视画法，这位仅活了27岁的艺术家真是有一身惊人的才华，居住在佛罗伦萨这个充满着文艺气息的城市里，以过人的胆识将数学、空间建筑学等融会贯通，让自己的画作成为了西方写实油画的开山元老。

接着大名鼎鼎的达芬奇又来震荡西方油画界了，这位大师是一个稀世罕见的全才，机械学、医学等众多领域他都站到了学术的顶峰，而当他用工程思维来绘画时，线条跟立体呈现出的艺术碰撞就产生了素描，这就带动了西方油画界的审美，也朝着逼真和骨肉分明这一目标奔驰而去。

然后荷兰画家伦勃朗将所有关注点放在了光上，利用不同光线下人物脸上呈现出的阴影明亮度不同，使得画作中的人像能传达出气质跟情绪。比如要画一位骑士，那伦勃朗式用光法一加成，每一个看画的人都能感觉到画中骑士的英姿勃勃，仿佛跟画中人被定格带到大家面前一样逼真，就连绘画内天的天气都能真实的感受到。

这三位大师各自专攻一隅，让后代的画师深感膜拜，逐渐就将其中特质相结合，产生出西洋画就是要逼真的固定画风。而它之所以会产生并且风靡开来，也跟欧洲的历史背景分不开干系，自文艺复兴前后，整个欧洲都陷入了被动反思的过程。

美而无用的作品很难卖钱，贵族们没点文化修养欣赏不来，可是一幅逼真的西洋画却很吸引人，至少可以通过画家的手，把自己的形象永久的印刻下来，所以市场需求也推动着逼真派西洋画前进。再则，当时的西洋画师大多精通各个领域，思维模式从来都不是单纯的艺术家那追求罗曼蒂克的纯粹浪漫。

相当于理科生去写诗作词，诗词中必然会带很多严谨考究的特色，揣测一下那些大师的想法，应该是想革新画作就是纯欣赏的艺术品，他们更想结合建筑学、人体学、乃至数学，让画变得很有用处。

由此各方面相结合，西方油画就以逼真为优秀的评判标准。这也能看出中西方的价值观不同，西方在追求落地、逼真的同时，中国的国画向来不以降低格调求实用为目标，画师们认为术业有专攻，逼真可以交给摄影师来攻克，再逼真一些还有影像作品，国画寄托心情和志向，就是要美的含蓄，美的有意境。

毕竟自古以来，文人墨客们就将琴棋书画、插画品茶都赋予了不一般的意义，里面既包含着品味、也包含着怡情养性的艺术修养。大家都一致认为，挡在庸俗生活和雅致精神遨游之间的，正是关上小门成一体时的绘画、书法等爱好。

因为画师们将丰富的精神世界投入到了国画中，所以观赏西洋画和国画时也会呈现出不同的感受。前者就是热情、现实，视觉冲击力很强烈，无论色调如何，都会给人眼前一亮的既视感。而国画就是慢热，打眼一看只觉得素淡，需要细细品来才能感受到其中的百种情愫，这也就是很多文艺爱好者书房中喜欢挂国画的原因，捧上一杯茶，插上一株正当时令的花草，看着内幅国画很容易就进入深度冥想的状态。

因此，欣赏国画是一件氛围、环境乃至心境都一个不能少的雅事。所以西方的油画看起来比中国的国画逼真很正常，毕竟西洋画的精髓就在于此，两者从来都不在一个赛道上，既没有孰高孰低，也不存在品味的较量，单纯就是各方因素导致的审美不同。

另外，国画需要带入情景来欣赏，假如知道所画的是怎样情境下的梅兰竹菊或者景色图，那看一会也有不同感受的逼真，甚至也能看出天气是雨是雾，时间是早还是晚等等，毕竟国画就讲究一个尤抱琵芭半遮面般的含蓄，欣赏起来要需要格外的耐性。

从绘画艺术的发展历史来看，中国的国画明显要比西方的油画诞生的要早的多，但不管怎么样，西方油画和中国的国画都是在各自的文化之下得以生存的，而且每个时期的绘画艺术风格都有所不一样，那么为什么西方的油画相比中国的国画看起来要显的很逼真呢？

稍微简单了解西方油画在欧洲文艺复兴时期之前，都还是属于“平面型”绘画，自然也不是很逼真，直到马萨乔发明了透视法以及达芬奇发明素描之后，西方油画才呈现出它的“空间感”，画面开始逼真起来，

当荷兰伟大画家伦勃朗创造了“伦勃朗式用光”之后，那强烈鲜明的“光影明暗对比、空间透视效果”让西方油画真正意义上进入了“写实”时代，从而油画的画面真正的形象逼真起来了，这包括了任何流派的油画，有强烈的“视觉效果”，

或许有人会认为“印象派”画作依旧不够逼真啊，其实这样的认为是错误的，因为画作的逼真不是简单的只是人物形象的清晰，就好比每个人的外貌都各不相同，有骨骼有血肉有丰富的情绪就是完整的人，西方油画的“色彩线条”被艺术家们得到了很极致的处理，形成了独特的艺术语言，

中国画的画面之所以无法形象逼真，那是因为国画是用书法的形式来创作，体现的都是“线条的效果”，这就是“以书法入画”，“字”肯定不如“画”让人更直观，“写意”的意义便是“雾里看花”，又由于国画的创作工具“笔墨纸砚”的缘故，所产生的“视觉效果”没办法强烈，正所谓“色彩丰富了，形就成了”，在绘画艺术中，也只有西方油画的色彩比较丰富。

“大象无形”是我们中华民族的基本美学观念，意思是说，越是宏大和美好的形象，就越发缥缈和没有固定形象，我们推崇的是自然之美，而不是人为塑造的美。宇宙和天地很大，也很美，但它们没有固定形象，作为画家，也无法把它们刻画出来，所以，只能用含蓄的、以点带面的方式来表现，剩下的部分，就由观者去想象了。人的想象有多大，心中宇宙就由多大。

写意中国画

从这个审美观念来入手，若说起中国画，人们第一反应就会想起水墨写意画，它是通过简洁凝练的笔法和墨法塑造出物象的大体轮廓，体现一种“似与不似”的形式美和含蓄美，因为这种审美特征符合中国人的审美标准，符合大象无形的美学理念。如果水墨画画得过于饱满和逼真，就是丧失这些趣味。

工笔写实中国画

但不是所有中国画都很缥缈和简洁，中国画在宋代中期之前也是很写实的，画中除过没有光影关系和立体感之外，在逼真程度和结构准确性上，并不亚于西方写实油画。只不过，从宋代中期之后，“文人画”大力发展起来，文人画忽略形似，追求神韵、意境和笔情墨趣的表现，同时注重画外功夫的修养。在这样的大背景下，中国画从写实走向了写意。

写实油画

而油画在西方发展了600多年，至少有500年时间都在走着“写实”的路子，因为油画刚刚诞生时，在创作手法和理念上，都是照搬已经定型的雕塑的技法，用科学手段追求造型的逼真和准确，真实再现生活原型，为人们的现实生活服务是其主要目的。油画在绝大部分时间里，都是以写实为宗，所以，在人们的意识里，油画看起来一直很逼真。

写意油画

但西方油画发展到19世纪末期，写实之路走过了漫长的500多年，该探索的技法，都被一个个画家尝试过了，已经无法创造出更好的写实方法，所以，西方油画家主动拓宽了自己的艺术视野，把东方绘画的写意性吸收到油画创作中，最终实现了西方油画向现代性的转型。

不论是是中国画还是油画，都是根据不同时代的审美趣味和美学观念，在写实和写意之间不断转变。

之所以西方的油画比中国的国画逼真，主要区别和原因在于：西方的彩色绘画艺术起源较早，尤其是在文艺复兴较发达的意、英、法等西方国家，他们受东西方文化的影响，普遍对绘画艺术创作和色彩运用都比较灵活，而且设计大胆，构思独特，细节描绘超乎现实，所以西方油画的艺术效果比较逼真，反观中国的国画创作虽历史悠久，但由于受几千年传统文化观念的影响和束缚，在表现手法上除山水画和自然景观比较宏伟气派外，在对油画描绘方面显然还是比较保守些，不像西洋画家那样直奔主题，所以国人在欣赏油画时总喜欢看西方的作品，认为西方的油画艺术作品色彩鲜明，逼真。

（文字原创：图片来源于艺术家传播网）