《兰心大剧院》娄烨依旧是那个娄烨，自由不断突破，并富有创造力

娄烨是国内最懂电影音乐的导演。

我猜，肯定不止我一个一直这么认为。

从西皮士的<溯><夜行衣>到沼泽的<1911>，从Peyman Yazdanian到Johann Johannsson…

娄烨的品味和要求，体现在他每一部电影所用的音乐里。

所以对《兰心大剧院》的期待很大程度也包含了电影原声。

果不其然，看完电影，音乐的部分让我最意外。

因为这一次除了黑白画面，娄烨做的最大胆的选择就在音乐上。

即没有用任何配乐。

在绝大部分的时间里，画面所搭配的，是被刻意放大了的环境音。

台词之外，伴随观众入耳的是雨声、是雷声、是脚步声、是电波声…

举个例子。女主与女配的那晚“夜间问答”，听到的是逐渐加强的时钟秒针声。

这是相当玩味的一场戏。

女配在失去意识又最真情流露的同时被女主成功策反。

此处，只用秒针声做背景，空旷且悬疑，要好于任何乐器的功能。

整部电影也同理。这种间谍题材，轻言细语才显张力才更容易抓人。如果添加上配乐，反而会成为对剧情的打扰。

影片的结构是主角在话剧与现实之间不断穿插，界限分明但人物的状态始终是模糊的。

开场舞台排练跳舞部分的一段爵士曲，是全片唯一出现的音乐。所以这首由一根萨克斯、一把木吉他的现场伴奏，也成为区分两个世界的标志，直到最后一幕，合二为一。

爵士音乐从广义上来说，强调节奏的配合，又往往摆脱规律，绝妙在即兴发挥上。这风格与间谍属性非常相似，身处各方精巧的设局，应付各种意外状况。

电影用一首欢快又不安的jazz在开篇与结尾点题，虽然算不上谍战题材的创新，但也最为明智。

一样的娄烨，它一如既往的自由，不论是对于电影还是对于演员。首先，它完整的解放了电影它的线性叙事，尽管依旧在这个框架内，其次，我觉得很好的一点是，演员的自由让这些演员的表演不再带着一种目的或者定义，而成为一种更为纯粹的个体，而存在，尽管每个个体，在电影里都有它的功能和宿命。

不一样的娄烨，在于它不一样的创造，但我也的确很难去比较它与娄烨之前电影的区别，可能之前的娄烨都没有真正将艺术的格局放到很大，去从更高层面创造一种更简约的电影语言和更政治化的群像，但是他通常在每个层面都极尽其表达目的，那相比于之前，在这部作品里，娄烨真正意义上，有了一个更大的创作背景，这个背景不仅仅在于一个时代，而在于这个特殊时代下，群像所描绘的人，它不再被归类为单一的某类，而是真正意义上，不仅被定义为某类的群像，这个群像的人物定义更宽泛，与此同时承担的隐喻更为简约却复杂，我觉得这首先是一场真正意义上成功的群像，削弱了演员个体的表达，却又令每一个角色模糊又鲜明，它用影像语言驱动文本的风格有种隐晦的美感，并且将人物带到了真实与表演之间的特殊界限，所以它依然拥有戏剧我认为结构层面的一些基础，但却又成为一出完整的电影。

好的电影行为可以高于语言，无声的表达比有声的表达在更高层面来看通常更准确，因为它削弱了可以适当模糊的具体性，这在影像和人物层面，我觉得都实现得非常好。当然，娄烨的风格依旧是欧化的，这是艺术的自由基调决定的，但它的感觉又是地道的文化产物，我喜欢它整体给出来的那种体验，一种语言不足以描述的，隐晦的与真实的之间的艺术界限！

演员来说，从某种意义上，他们以导演艺术需要的表演风格存在，在有限的空间内，我觉得人物作为电影的一部分载体其实比我预想的更为准确，巩俐的杰出毋庸置疑，其它每个配角，国外的国内的，我认为都充分并合理的在影像空间内存在，这构成了一出杰出的群像，我很欣赏这种群像整体的艺术连接性，我觉得所有的演员都在克制，在情绪层面都在深入却精简的沉浸而在表象的情绪表达层面都在非常真实的往里收，控制力可以说都非常优秀，所以不得不说，只有杰出的导演才能引导杰出的演员，成为一个角色不需要特别费力，就如同表演一个角色，不要特别使劲，我已经无数次批评过当下主流的专业演员，演员的功能永远在于电影需要他们实现的功能。

当然，电影的评价，毫无疑问会两极分化，其实说白了，这部电影或许依旧有某些不足，但是在电影的整体和导演艺术层面，我认为总体是杰出的，它可能需要观众克服一种面对超出自己审美和理解范畴内，更赤诚的去面对它带来的特殊的一种电影世界的体验！至于批评，我觉得，没什么特别重要需要提出批评的地方，如果把它作为一部类型式艺术片，它又比张艺谋那部悬崖之上，高了2-3个档次，由此，还是可以发现，我们国家依旧有电影人，在创造电影，而不是庸俗的附和平庸的主流！

娄烨依旧是那个娄烨，自由，不断突破，并富有创造力！